UNÍZONO: Una nueva propuesta televisiva

La construcción de medios autónomos en el Ecuador ha sido un trabajo a pulso, la indiferencia de los medios masivos hacia proyectos independientes no ha permitido la construcción de una programación diversa, multidisciplinal e incluyente.

A pesar de muchas injerencias económicas, sociales, de organización  y de los mismos medios. Varias iniciativas y muchos procesos colectivos se han ido constituyendo para levantar la memoria histórica de varios productos vinculados con la música alternativa ecuatoriana, dentro de lo que hoy podemos describir como  “Medios Independientes”.

Unízono es uno de estos programas que nos proponen una mirada de la música ecuatoriana desde estudio, fue pensado desde hace  algún tiempo y solo se pudo visualizar  gracias a la apertura del canal público Ecuador TV,  y de un grupo de soñadores que en su mayoría son músicos y que saben cuán difícil es sobrevivir en la utopía de lo independiente.

En agosto del año pasado se inició con el contacto del equipo de producción con los ejecutivos del canal, se llegaron a acuerdos y se empezó la grabación. Se emprendió la negociación con Fediscos (lugar de grabación del programa) y la Universidad Santa María (para la utilización de equipos y la ayuda de los estudiantes de gestión de diseño y comunicación visual).

Con el equipo listo, se buscaron a las bandas, en esta primera edición 12 programas con 2 bandas por cada una. Con respecto a esto Dennis Darquea (Productor musical), con quien pudimos conversar nos comentó que la apertura de las bandas fue total. Las propias agrupaciones se pagaron el estudio, se aprovecharon las presentaciones de algunas bandas quiteñas en Guayaquil para  que participaran en el programa y así abaratar costos. Y con relación a sus presentaciones en Unízono, los grupos trabajaron en cada presentación, algunas de ellas intervinieron en la decoración del set y pusieron su toque personal.

Un programa de 30 minutos por cada episodio, puede que sea para algunos la copia de algún proyecto gringo, puede que no sean las tomas más adecuadas, la edición perfecta o que nos haya faltado algunas canciones de los grupos. Este es un proyecto completamente en construcción, con la idea de seguir porque hay muchas más bandas con trabajos inéditos, de otras provincias o no tan conocidas, y hay que darles la oportunidad, porque el “movimiento” necesita reconocerse en sus integrantes, recuperando la palabra para ser visualizados a través de la desmonopolización de la información.

Así que utilicen sus redes sociales para que más gente lo vea y se logre extender a otra temporada, para lograr construir una lógica de producción informativa distinta. Escrita y contada desde los subalternos.

Visiten:
http://unizono.wordpress.com

Por: Vanessa Bonilla / Fotos: Cortesía Unízono

MAMÁ VUDÚ: Divagaciones en la suite 7*

Hace un año atrás… Regresaba de la tienda con un par de six packs de cerveza y retirando las llaves de la suite 7 donde vivía la Eli, en la Floresta, tipo 6 de la tarde, apenas con el tiempo para alcanzar a la cita con los Vudús. “En 5 minutos llegamos pana”, me envía un mensaje el Álvaro (Ruiz, baterista de la banda). Ese mismo día había ojeado la revista Rolling Stones LA de febrero 2008, en la cual pusieron al tema Calle Total (del EP Clínica de Santos y Muñecas) en el puesto 77 de las 100 mejores canciones del año; y bueno, me dije: habrá que preguntarles sobre esto. Pero, no hubo tiempo. Ni las cervezas, ni las pilas de la grabadora fueron suficientes para cuatro horas divagantes.

Son 16 años ya desde que Mamá Vudú se paró por primera vez en un escenario, y pasaron desde lo más under hasta lo –como decirlo- un poco más fashion, para redefinir su estilo, que hasta hoy resulta indescriptible del todo; pero, para muchos: indiscutibles padres del indie local.

Iniciaban como banda tipo: batería, dos guitarras, bajo y voz; pero su clímax sonoro lo consiguieron sin bajo, algo extraño, raro, llamativo; que era al extremo evidente en sus tocadas en vivo, dejando a la gente incluso con la sensación de que “algo faltó en el show”. Tal vez siempre fue solo percepción.

Caminando en la línea que divide la constancia con la desidia, Mamá Vudú se alejó de las luces, se cansaron de andar buscando el sueño del músico nacional de salir de las fronteras. Y, parecía que todo estaba en su contra. Cuando salieron con su música inédita el personal noventero se había quedado pegado en los covers y les daba la espalda. Los puristas punks creían que era una banda alternativa, y los seguidores del grunge suspiraban con Seattle. Alguna vez fueron invitados a un festival en Argentina, pero pasó el trágico suceso del bar Cromagnon, y se cancelaron todos los conciertos. “Mandábamos un montón de bios y música a organizadores de festivales para tocar afuera, pero nos cansamos; después de todo no hay urgencia de eso, solo queremos hacer lo nuestro, y lo seguimos disfrutando”.

Sin embargo, su música habló por sí misma. Este año dejaron su legado en Lima, Santiago y Panamá. Rompieron con ese mal llamado “techo” que perseguía a las bandas independientes. Ahora se planifica un Cd tipo versiones de los temas de Vudú con grupos de Colombia, Venezuela, Perú, México, Costa Rica, Chile, EEUU, Inglaterra y varias bandas ecuatorianas que también se apuntan. De ahí comprendí que para divagar sobre el punk, los medios, el rock, las tocadas, sobre educación y cultura, se necesita subir cinco personajes en un ascensor para cuatro, además de cerveza, muchos cigarrillos y música de radio deprimente de fondo.

¿Ustedes eran panas de siempre? El Roger (Icaza, guitarra y voz) se adelanta. “Yo le conocí al Édgar (Castellanos, guitarra y voz) cuando fui a ver una tocada, en realidad era seguidor de Vudú. Ahí le conocí al Álvaro, pero él no se acuerda de eso”.

En tanto, yo me transporto a la primera vez que les vi; fue en el Iguana Bar. “Sí tocamos ahí  dice el Édgar- un tributo a Nirvana a un año de la muerte de Kurt Cobain, pero nuestro debut fue en el Dada Bar”. ¿Recuerdan la noticia de la muerte (de Cobain)? “No me acuerdo exactamente cómo fue la noticia de la muerte, pero recuerdo que yo estaba chupando con el Mauricio, ¿si te acuerdas del Mauricio?”, y yo: mmm no. Roger: ¿No te acuerdas? Claro que si te acuerdas, el Mauricio era un chiquito blanco de ojos claros que siempre andaba con nosotros… y Yo: ahhh, “El Papío”; y reímos todos. Resulta que Mauricio más conocido como “El Papío” era acólito, yunta, pana, manager, roddie, ñaño, bróder; aunque no tocaba ningún instrumento, era el cuarto Vudú, antes que se incorporara (Francisco) Charvet (bajista). Era un personaje de lo más bacán; tenía esa cara del típico amigo que nunca dice “No” a nada, menos a un trago, y… yo no sabía que se llamaba Mauricio –nueva risa copiosa- y ¿por qué Papío? Roger: bueno le comenzamos a decir papá, porque era así avejentado, medio antiguo en su pinta y siempre andaba con achaques, y bueno fue éste (señalando al Álvaro)  el que comenzó a decirle Papío y se quedó con eso.

“Nos formamos acá cuando yo (Édgar) vine a estudiar en la `U’ y con ex compañeros del colegio nos juntamos a hacer ruido, pero ellos estaban más metidos en sus notas de universidad y trabajos e iban dejando las prácticas, luego asomó el Franz Córdova (integrante de Misil), con el man me llevaba desde Ambato y nos veíamos a veces, él también buscaba con quien tocar y practicábamos y con un amigo de él, el Alex Manterol, quien fue el primer baterista de Mamá Vudú, esa formación duró un año”.

Hablamos de octubre del 92. Ensayaban desde sus inicios en la sala de un departamento en la Floresta donde arrendaba Édgar por sus estudios. Fue el Franz Córdoba (Misil) quien llegó con la noticia que un amigo de él se ponía un bar, resulta que era el Dada Bar, y que le había “encamado” para tocar en la inauguración. “El Franz tenía una banda en Ambato que tocaban covers, era un grupo muy turro que tocaba The Doors, Led Zepellin, y notas así, y el baterista de esa banda era el Alex Manterol, entonces nos pusimos a practicar; fue el Édgar el que dijo: pero toquemos cosas más elegantes, toquemos punk rock. Y empezamos a practicar Nirvana, Social Distorsion, Sonic Youth, Pixies, Soda Stereo… y ya dijimos (el nombre) Mamá Vudú pero ¡chuta! nos ahuevamos, como que nos gustó”, pero para esto dicen: “pasábamos siempre bastante tomados. Entonces entre estas y las otras ya comenzamos a ver otro nombre”. Y ese primer concierto tocaron bajo el nombre de Frente Ruso, y el grupo principal en esa tocada fue Cruks en Karnak, cuando el guitarrista era el Mateo Herrera (quien luego fue de El Retorno de Exxon Valdez). Y comentan, “cuando había como tocar con ellos”.

Luego les llevaron a tocar en un gallinero en las afueras de Ambato, no era un coliseo de gallos sino un galpón hecho mierda y tocaron, recuerda Édgar, “vestidos en bermudas”. Era un concierto con grupos de todo el país, había gente de todo lado y compartieron la paupérrima tarima con bandas íconos del under local: Chancro Duro, Notoken y otras… Era recontra underground. “Si no tenías tu ampli no tocabas nomás, se prestaban todos las cosas, los que se subían a tocar era por un propósito meramente artístico, era todo más relajado, todos subían a tocar borrachos, la gente se ponía a tomar como bestia pero no había nunca problemas”.

“Fue desde el 93 cuando empezamos a tocar bajo el nombre de Mamá Vudú, y ahí sí ya en todas partes. Recuerdo que compartíamos escena con Mortero, Fusión Mutágeno y la bola de más bandas que ya eran menos under”. ¿Les apesta el under?, “para nada, nos molesta la postura esa de quejarse por todo, que no hay apoyo o la falta de medios para difundir; esto es una lucha constante y es lo rico del rock en sí”. Y, Charvet complementa la idea: Lo que pasa es que adentro, en una banda lo que intentas hacer es que las cosas suenen diferente siempre, pero si estás con esa actitud inconforme o remordido, no fluye nada.

Roger: a nosotros, definitivamente nos gusta lo que estamos haciendo. Hemos visto la manera de no meternos a un trabajo fijo, complicado. Es decir, si trabajáramos en un Banco o en oficina, ni cagando pudiéramos hacer esto. Ahora ya planeamos el tema de ensayos y hacia dónde vamos y ponernos horarios.

Edgar: entonces el enfoque no ha cambiado en nosotros, ha variado pero en esencia finalmente lo que sabemos es que la música, para lo que te sirve es para no ser un borrego más. La música es inherente al ser humano. Mi enfoque ahora es casi como místico, yo sé que tengo que disciplinarme con la banda porque eso me ayuda a descargarme del estrés, y eso me sirve para ser mejor persona. Me hace un ser humano más sólido, y dejas de ser un huevón que no tienes idea de nada lo que pasa en la realidad, que estás metido en un cubículo y pasas oyendo una radio que no dice nada…

“Cuando sonamos en el programa del Edwin Poveda, él se impresionó que no había escuchado antes nuestra música, sabía del nombre pero hasta ahí. Hace años también tocamos en un programa de radio Planeta, conducido por el Hugo Ferro -se refieren al Chifa- y también fue bacán, igual en la 88.1, la bola de veces. Antes como que los medios eran más relajados, ahora ya se van haciendo más complicados en difusión”, apunta Álvaro.

¿Qué extrañan de la movida de antes? “La bola de cosas. Por ejemplo los conciertos”. Édgar -entre los más antiguos de la banda- recuerda la gran tocada de Los Ilegales de España. “Me fui con mi hermano, yo tenía unos 16 años y fue alucinante. De hecho esa banda ha influenciado a la mayoría que salieron desde esa época para acá, y ese primer concierto en particular fue como ver la luz para muchos”. A partir de esta memoria coincidimos todos en que fueron memorables las tocadas que había a finales de los ochenta e inicios de los noventa, en La Chorrera.

“El festival (QuitoFest) nació porque no teníamos dónde tocar; fue por necesidad. Igual sucedió con tocadas.com, como somos diseñadores (dos de los cuatro) queríamos tener una página donde promocionar los shows…”, añade Álvaro.

Charvet se conoció con el Álvaro en la Universidad, cuando estudiaban marketing. Pero bromean que el “Charvey” es más técnico para tocar, estuvo en bandas que se iban por la onda Soda y más rock progresivo, una de esas se llamaba Dínamo, y otra Vieja Influencia. “Él tocaba con gente más caché, y nosotros no somos muy dados a lo formal”, se ríe el Roger.

El Álvaro recuerda: “una vez me llamó para que le acolite con la batería en una de sus bandas, yo fui, toqué y nunca más me volvieron a llamar” (risas)

Por: Polo Damian Rodriguez / Fotos: myspace.com/mamavudu

*Texto originalmente publicado en Revista Indiependiente N 2. www.indiependiente.com

LOS SMOKINGS: De las cenizas provienen… son Los Smokings, y exhalan rock

ROCK, así, con mayúsculas. Esa es su guía, a él se deben y salen bien librados al representarlo. La banda guayaquileña conformada a mediados del 2007, transpira en cada tema la idealización de un género que los marco de por vida: desde el punk de los 70’s hasta el rock de finales de los 80’s. Pertenecen al movimiento musical más persuasivo e interesante de la escena ecuatoriana en la actualidad. Desde Guayaquil, son Los Smokings y en este 2010, su primer álbum saldrá a la luz.

Provienen de las cenizas de varias agrupaciones que ya no existen más, pero las cuales son parte fundamental del imaginario cultural de Guayaquil. “Gorki (Máximo Gorki Alarcón – Guitarrista y vocalista) estuvo mucho tiempo trabajando con ‘Luciérnaga’, hasta que se separo de la banda, yo estuve con ‘Sobras y Cenizas’, y Marco (bajo) con ‘Dos que tres’. Creo que todas las bandas se separaron más o menos en el mismo tiempo en el cual decidimos juntarnos. Siempre habíamos estado haciendo música, Gorki y yo hicimos algunos proyectos independientes antes de Los Smokings. Marco también estuvo trabajando, pero siempre hace falta reunirte con alguien, tener una banda y ese incentivo nos trajo aquí” señala Daniel Merchán (guitarrista), sobre el proceso de formación de Los Smokings, de cómo ensamblaron todo desde el 2007, “Gorki como nos conocía, nos comenzó a buscar, a mostrarnos sus ideas, a querer desarrollarlas, empezamos a realizar varios jammings, a joder, componer y salieron cosas chéveres. El ya tenía un par de ideas y temas en mente, así que empezamos con las primeras producciones, de hecho de ahí salen Welcome to the club, Estrella de rock y Egoísta, los cuales fueron los primeros sencillos. Luego de eso, nos empezó a ir bien los primeros meses y nos animamos a hacer el video de Welcome to the Club”

Al ubicar el origen de Los Smokings dentro del mapa, resulta necesario señalar que nacen del sitio donde existe la  mayor exposición y florecimiento de las propuestas musicales más arriesgadas e innovadoras del país, hoy en día. Resultado de un proceso de varios años, de un trabajo silencioso, pero constante. Al hablar sobre este despertar de la música independiente en Guayaquil, Daniel señala “La escena a crecido hartísimo, quizás no por el hecho de que hay muchísima más gente, a lo mejor sí, pero ahora se ven muchas más bandas creciendo. A lo mejor se da porque no existen medios de comunicación como radios o prensa que los difundan, pero si existen muchísimos más espacios en donde tú te puedas expresar. Hace cinco años los bares no te decían, «oye ven a tocar» o «solo quiero bandas inéditas». Los dueños de los bares ahora dan una mayor oportunidad a las bandas independientes, como ejemplos esta el Diva Nicotina, el Soho Pub, Ojos de Perro Azul, en realidad hay algunos lugares que se abre”. Marco Benetazzo concluye “Hay varios promotores que se mueven organizando eventos en la ciudad, la escena va creciendo sobre todo porque el público poco a poco va buscando cosas nuevas”.

Sobre la propuesta sonora de Los Smokings, Marco la define “Somos el resultado de lo que está pasando a nivel mundial: se está reinventando el rock, está volviendo a sus raíces y se están formando nuevos patrones, fusionando lo que cada uno tiene, lo que cada uno saca, pero siempre hablando de la vieja escuela, reviviendo lo que se llama el rock.”.

La banda actualmente se prepara para editar su primera producción, de este material ya se ha podido escuchar tres canciones, las cuales les permitieron abrirse camino y mantener a todo un público a la expectativa de lo que sucederá. “Los temas lo grabamos en nuestro estudio, Paradox, nos hemos demorado dos años en grabar este disco, pero creemos que estará pronto terminado”. “Esperamos que sea a mediados del 2010 o antes, la verdad estamos trabajando mucho en el disco, pero cada vez que creemos que esta listo, lo volvemos a escuchar y queremos hacer cosas nuevas. Actualmente estamos recibiendo propuestas de todos lados, entonces también trabajamos en eso; nos damos nuestro tiempo, queremos sentirnos cómodos con él, queremos que salga bien”.

Por: Darío Granja / Fotos: Cortesía Los Smokings

CUARTETO DE NOS: Un disco “Bipolar” que suena a dejavú

Uruguay está lleno de Rock bizarro… Desde el “Gris” que pregona Loop Lascano hasta terminar “En el Limbo” con La Vela Puerca.

La “república oriental” es un terreno propicio para el desarrollo del Rock como género aún contestatario e irreverente tomando en cuenta el clima de la región. Allá los bares calificados como “music halls” promueven generosas programaciones inherentes a la escena nacional proyectándolas así a un mercado más ambicioso y redituable como el argentino.

Así han forjado auténticas bandas de culto cuyas hinchadas, cual equipo de fútbol, les profesan una profunda devoción que los inspira a continuar en un negocio que, a pesar de la evolución, parece ser aún una mala idea. Destacadísimas y excéntricas agrupaciones han florecido a partir de este “futbolero” apoyo musical, una de ellas el mítico Cuarteto de Nos, de los hermanos Musso (Roberto y Ricardo), Alvin Pintos y Santiago Tavella.

Aparecieron en 1984, han editado 12 discos con los cuales han partido en sendas giras por Argentina, Colombia, México y Europa. La “joya” de su corona son las líricas de su álbum “Raro” (2006) con el cual terminaron de proponer su abierta denuncia de un rock integral y “free lance” después de 22 años llenos de mutación. “Yendo a la Casa de Damián” rompió listas de éxitos en toda la ribera del Río de la Plata cubriendo la necesidad de toda banda por tener un himno que los preceda. De allí en más todo sería cuestión de tiempo para que lograsen competir de “igual a igual” con sus vecinos argentinos, que por su parte experimentaban con un Rock mucho más surrealista y light.

El humor negro los convierte en los “Les Luthiers” de la música uruguaya realizando juicios inteligentes e hilarantes de la cotidianidad que sociedades casi homogéneas como en Latinoamérica encuentran en el arte el oportuno desahogo. Cada que les place rozan el folk resaltando así ciertas tonaditas de tango que sin duda completan el encanto del cuarteto menos “cumbiambero” pero más camaleónico.

La cursilería y la elegancia son el combustible para sus parodias, siempre certeras y “teledirigidas” contra cualquiera que las promulgue sin mayores tapujos ni intermediarios. Su coloquial cosmovisión los vuelven un acertijo difícil de resolver, es inevitable caer en su trampa, pues los títulos de sus cortes no suelen dar mayores pistas de lo que la canción ha de involucrar.

“Al borde de la separación”, era el titular que sugería la prensa uruguaya en relación a la posible disolución de la agrupación tras su éxito comercial con “Raro”, acusando disputas creativas entre los integrantes, pero a comienzos de este año los rumores se vinieron abajo con la “filtración” en los principales portales de descarga de música de varios cortes de lo que sería un nuevo trabajo.

Pero el 17 de Septiembre en las tiendas recaló con autoridad su decimosegundo disco “Bipolar”, que cuenta con 12 tracks que develan una magistral habilidad para que el humor y egocentrismo de los músicos se combinen en un álbum lleno de potenciales sencillos.

“Bipolar” es una obra ideal para un momento de enfado, es imposible no sonreír al menos tras terminar de escucharlo. “Me Amo”, una reedición de su disco “Cortamambo” es la carta de presentación de un trabajo muy bien realizado por una de las más veteranas bandas de Latinoamérica a la cual el tiempo parece no haberle pesado en lo absoluto.

Un experiencia musical totalmente distinta, 41 minutos de un Rock bizarro que no pierde su esencia contracultural ni la diversidad de recursos líricos, un buen  aporte para acompañar a las frías tardes quiteñas de inicio de invierno, esperemos poder verlos en escena por acá en un futuro no muy lejano.

Por: Sebastián Cobos Rivadeneira / Fotos: cortesía Cuarteto de Nos

LOS PESCADOS: Los principios del rock anfibio

Un hombre robusto con una camiseta y gafas negras acomoda los micrófonos en el escenario; siempre queda un pedestal vacío. La guitarra está arrimada a un amplificador, de perfil al público. La batería es más low profile, atrasito nomás. La gente empieza a adivinar quiénes de todos los que circulan por la tarima son Los Pescados.  De ley han de tener pantalón blanco, camisa hawaiana y un sombrero de paja toquilla, piensa alguien que tiene una cerveza en la mano.  De ley han de iniciar su presentación con el sonido de un timbal. De ley han de ser una banda de salsa que toca covers de Jerry Rivera.

No había tal, pero a la gente le costaba unir mentalmente a Portoviejo con el rock, desligar a la Costa de la salsa y el merengue y asociarla con el  grunge y el metal. Hace diez años, un dúo rock de pelados manabas era una mezcla rara, una combinación igual de extravagante que el plátano con salsa de tomate. Había que demostrar que no, que Los Pescados la ‘rompen’ en el escenario, que hacen  rock apanado para acompañar con cerveza.

La opción fue tocar donde sea posible y  defenderse en vivo. Acudir a las citas a ciegas con públicos impacientes. Bajarse del escenario y estrechar la mano de quienes se quedaban hasta el final, frente a la tarima. Tenían que presentarse como Nelson ‘Colorado’ Coral, guitarrista y vocalista, y Juan Fernando Andrade, baterista; el power dúo de rock manabita,  a sus órdenes.

Esas primeras relaciones públicas funcionaron durante un rato, pero luego se fueron gastando.  Hacía falta una carta de presentación más formal, una con 12 canciones y un párrafo con los agradecimientos. Pero esa fue una foto que casi no se toma, cuenta Juan Fernando Andrade.

El año del Pescado (2007), su primer material, fue pensado como un ‘Aquí estuvo’, como un recuerdo de la banda que fue y ya no va más. Al primer disco casi no llegamos, nos íbamos a abrir, no teníamos tiempo para repasar. Pero pensamos: ‘sabes qué loco, dejemos un registro’.

La idea era hacer un cierre simbólico de la historia que empezó en los 90,  cuando ‘Colorado’ y Andrade  estaban en primer curso, tenían 13 años y escuchaban rock para aburrirse menos que el resto de Portoviejo. En ese entonces sus fuentes musicales eran sus hermanos mayores y uno que otro primo arriesgado que viajaba a la  ‘big city’, a Guayaquil. Esa era la gran fuente, el otro lado del arcoíris donde estaba J.D. Feraud Guzmán y, por ende, los casetes de Gun´s Roses y Nirvana a la mano.  De esas sesiones musicales salió la conclusión de ‘eso es lo mío’, vino el embale con ‘Smells like teen spirit’ y ya en la Universidad surgió el ahora o nunca para formar una banda.

‘Colorado’ y Andrade cruzaron la cuerda floja y sacaron el disco.  Todo se puso en orden. De hecho, entre la grabación y la publicación de ‘El año del pescado’ se dieron cuenta que ya había un camino, que ya habían armado la cometa y que sólo faltaba aumentarle un chance más de cuerda para seguir. Ahí dijeron: ’No dejemos que se muera’.

Ya tenían un público, en las tocadas ya podían acercar el micrófono a la gente para que continúe con la letra y la paga por las presentaciones ya no eran shawarmas y cervezas. La cosa iba en serio. La historia tenía un to be continued. Ya nadie se quejaba de que seamos dos, de que no tengamos bajo, etc. Empezamos a forjar nuestra identidad, a aprender a tocar entre dos. En ese entonces les veíamos a los White Stripes y a los Black Keys y fue un: Son dos, somos dos… de una maricón… ¡vamos!

Ese impulso alcanzó para hacer más tocadas, presentarse en un QuitoFest, subir el video de Reina a Youtube, pensar en un segundo disco… seguirle, en definitiva. Y, como siempre, al ver para atrás, ponerse un poco autocríticos. El año del Pescado fue la recopilación de los temas que se forjaron mientras la banda misma se formaba. Es un disco inocente, pero no inofensivo.

La segunda vez en la montaña rusa ya no tiene tanto misterio, pero igual se disfruta. Para ‘No somos siameses’, su segundo disco, ya se sabían el chiste. Se fueron dos semanas a Pomasqui (norte de Quito), a una casa sin tele, sin distracciones. Tocaban hasta doce horas diarias. Luego paraban un rato y cocinaban algo. Después seguían tocando. Compusieron doce canciones, pero sólo escogieron seis que pasaron la prueba: Carne Fresca, Noticias, No te vi venir, Transparente, Ese no soy yo y Vamos corriendo. La mayoría de las letras son orgánicas, frontales, sin mucho subtexto, composiciones que a veces salían en cinco minutos. Todo fue más rápido porque ya teníamos kilometraje. Ya llevábamos cuatro años como banda y habíamos tocado en bastantes lugares.

Se la creyeron  y están metidos de lleno. Ahora tienen la ayuda de María Belén Cisneros, la ‘panager’ del grupo, la dura de los negocios. Con ella en el equipo, ellos sólo tienen que preocuparse por tocar y componer, por ‘romperla’ en vivo.  No se trata sólo de tocar bien, sino también de saber afrontar al público, poner actitud y tener una respuesta. En un concierto fallido se aprende más que en un año de ensayos.

En el escenario no les coge la altura, y, si pasa, ni lo sienten.  Ahí es donde la gozan y la sufren;  donde siempre se enfrentan al pánico de que nadie vaya al concierto.

Nunca ha pasado, menos en la oficialmente bautizada Portoviejo Rock City, donde están sus primeros fanáticos. Por su casa también están las bandas nuevas, las que vienen detrás, a las que les están  poniendo oído. Saltan nombres como La Rola o Los Cangrejos… Gente que se la juega, manes que ponen en práctica y propagan el ‘De una maricón… ¡vamos!’

Por: Oscar Molina / Fotos: cortersía Los Pescados

ATTAQUE 77: Nuevo comienzo – 22 años de carrera

Uno de los grupos emblemáticos de punk argentino: Attaque 77 estuvo de visita en Quito, después de haber recorrido varios países de Latinoamérica presentando su nueva alineación luego de la salida de Ciro, su vocalista.

Plan Arteria conversó con Luciano y Leonardo. Mariano estaba camino a Quito por vía terrestre, desde Perú.

Los cambios en la alineación de una banda han sido en la mayoría de ocasiones el ocaso de una agrupación. Al parecer este no es el caso de Attaque que con nuevo disco en camino y una gira, se percataron del intenso apoyo de su fanaticada fiel. Esto se perfila como un comienzo lleno de nuevas experiencias y desbordando toda clase de predicciones.

Ellos nos dicen: “intentamos seguir a través del tiempo, seguir tocando pase lo que pase y pese a todo. Haciendo lo que más nos gusta, que es tocar”

Y a la vista nos traen para principios de octubre su nuevo disco con el sello Sony- Argentina. Por ahora están terminando la mezcla de los últimos temas, que los van a masterizar en su nuevo estudio en las sierras de Córdoba, para luego iniciar una gira de promoción por Argentina y la región; siguiendo con la música que han hecho siempre. Se han grabado 20 temas que están terminados pero en el CD oficial habrá una selección de 14 y 12 temas.

“La libertad de tener un estudio propio nos permite estar en proceso creativo constantemente, muy relajados y experimentando con sonidos nuevos, sumando otros ritmos, escribiendo con miradas distintas pero manteniendo la lírica social, las situaciones que no se pueden escapar de contarlas y decirlas: como dictaduras y corrupciones de diferentes gobiernos seudodemocraticos que han pisado Latinoamérica; pero así mismo hablando de temas como los éxitos y fracasos de la vida, del cotidiano vivir.”

Este trío mantiene aún la ideología del “Hazlo tu mismo”, construyendo una memoria colectiva a través de las diferentes generaciones que se enganchan a la banda y recordando lo que a muchos les gustaría olvidar o borrar de la historia. Porque la memoria es la principal herramienta para que no vuelvan a suceder.

Sus integrantes no están de acuerdo con los capitalismos salvajes, las colonizaciones mediante un marketing o un producto. “La política como negocio ha hecho muy mal, las políticas en beneficio de pocos y en contra de todos, cuando la mayoría se muere de hambre han sido un claro ejemplo de las construcciones de desigualdades y la irracional división de la riqueza mundial.”

Su posición ante la piratería es clara “Estamos en contra de la obscenidad de la piratería desmedida cuando se trata de un comercio. Si creen que esta bien una suerte de discusión para gente de pocos recursos que no puede acceder a comprar un CD, nos parece que es válido.” Además, “Las compañías discográficas no se toman el trabajo de hacer una distribución acorde a lo que pasa con el grupo”, es por esto que mucha gente accede a tener materiales de poca calidad y sin el plus de un buen diseño, un buen audio y el apoyo a bandas que trabajan por brindar calidad y esfuerzo con su música.

Una agrupación con tanta trayectoria nos habla del contexto en el que se han desarrollado, de lo que miran y ha mirado en su entorno: “En los 80´s el proceso de las bandas estaba en lo under y los grupos pop como Soda o Virus podían trascender de lo under y tocar en estadios, en los 90´s parece que se puso de moda el rock y había más sitios donde tocar. En cuanto al movimiento de rock nacional con más de 40 años lo que nos alegra es que ha crecido muchísimo y aún perduran bandas con 30 y 25 años de trayectoria. A partir del 2001 el movimiento ha crecido muchísimo, porque hay festivales con solo grupos argentinos y de todo tipo de estilos.”

Para concluir les preguntamos ¿cómo han logrado que la convivencia de 22 años se haga menos pesada?, nos dicen: “la convivencia se ha mantenido primordialmente por el respeto entre los integrantes, entendiendo cuando es el momento de cada uno”. Así terminamos una charla amena con personas que han sido fieles a sus ideales, cantando a lo que les duele y les importa. Muchas gracias Attaque.

Por: Vanessa Bonilla

ALPACHACA: La película del negro más blanco, en una ciudad gris

Entre la calle Salinas y  la calle Guayaquil de Alpachaca, en la ciudad de la Loca Lupe y el Loco Sammer, Ibarra, nació desde el vientre de la ciudad educadora una historia que dentro de un contexto anarquista, roquero, medio ficticio a veces y medio real en otras, muestra la miseria, las injusticias y la hipocresía en las relaciones sociales en un sector llamado: “Puente de Tierra”, pero más conocido por todos como Alpachaca.

“El motivo para hacer esta película-documental, es mostrar como mal interpretamos socialmente a quienes habitan en este lugar, sin saber que tiene 22 barrios y tan solo tiene seis mil habitantes menos que Otavalo, ojo que Otavalo es un cantón”, nos cuenta el Alpachino del Valle del Chota, Jorge Luis Narváez Torres.

El director de cine más chiro de Ibarra junto con su equipo de CIN ECUANOH, Cine Ecuatoriano NO Huevadas, ganaron un premio a nivel nacional de diez mil dólares, “que realmente se convirtieron en un calvario, porque además de ser un buen billete para pagar las deudas, ese fue todo el presupuesto de un trabajo que hasta hoy no acabamos, porque imposible hacer una peli con esa poquita plata”, dijo Barrabas, Sobrenombre del Jorge Luis.

Aunque antes existieron alguna vez intentos de hacer películas en Ibarra, de contar historias que se filmen en las calles de nuestra ciudad, nunca tuvieron tanto encanto, algunas veces yo mismo pensé en filmar y convertir al Parque Pedro Moncayo que todos los días veo, en el escenario de una lucha encarnizada porque resulta que es parte de un montón de signos de una sociedad secreta, o mejor aún, que el cuadro del infierno de la Iglesia de Caranqui, esconde secretos sobre la descendencia de Cristo, aunque claro estos intentos solo quedaron en lecturas de libros y pensamientos de medio segundo, pero hay quienes se han dedicado a mostrar nuestra gente en videos medios borrosos, que los guambras andan grabándose con el celular, en una cantidad inimaginable de posiciones sugestivas y provocativas, que mejor ni les cuento, muchos lo catalogan como el nuevo cine casero.

Este filme está empezando a tener el reconocimiento necesario para pensar que en verdad es parte de la larga lista de películas ecuatorianas que salieron al aire, la que más recuerdo y anhelo  es Ratas, Ratones y Rateros, desde ahí, o más antes no se, empezó el camino por mostrar la realidad latente de vivir en “Latinoamérica, la última estación”.

“Alpachaca, Puente de Tierra”  sale desde la estratosfera imaginaria del barrabas, revolucionario de la cultura ibarreña, que seguramente estamos esperando que se muera para hacerle una estatua, como sucedió con Milton Tadeo y Tránsito Amaguaña, mala costumbre ecuatoriana que olvidaron plasmarlo en la nueva constitución según Ra…..mejor,  hasta ahí no mas, no quiero que me tilden de Care Tuco.

Por: Luis Alberto Aceldo / Fotos: María de los Ángeles Bastidas

MAMA SOY DEMENTE: Razones para declararte demente

El nombre te condiciona a escucharlos. Puede ser un acto de prejuicio o de simple selección, pero en una primera instancia no sabes a que te enfrentas: ¿Psicodelia porteña?, ¿Noise experimental algo perjudicial?… o no, mejor ¿Un conjunto de voces que balbucean palabras sin sentido? Con una banda llamada Mama soy Demente, todo puede ser posible. “El nombre salió, como todo lo que sale de nosotros, espontáneo. No lo pensamos por algún motivo, apareció y nos impacto. Es un nombre que tiene fuerza, te gustaba o no te gustaba, pero no se te olvida” comenta ‘Nadie’, guitarrista y vocalista de la banda, sentado en uno de los asientos del teatro quiteño donde en pocas horas realizarán su recital. “También nos parece que hoy en día la humanidad está en un camino hacia la autodestrucción, es una locura. Yo creo que todo el mundo anda demente en las calles, todos tiene un grado de demencia, aunque no lo quieran admitir” concluye.

Sus inicios se remontan al año 2000, en ese entonces se llamaban Látex y formaban parte de la pequeña escena musical guayaquileña. “Cuando hicimos el disco todavía nos llamábamos Látex, pero no nos gusto ese nombre, no nos identificábamos con él” dice ‘Jolgorio Vocal’ quien a parte de los teclados, se encarga de la guitarra, charango y voz. “Carlos (Nadie) y yo, iniciamos componiendo el disco. Al principio no teníamos realmente muy claro cómo iba a ser la banda. Nos metimos a grabar el álbum, durante ese proceso se nos ocurrió que no solamente sería importante tener un disco,  sino también algo adicional. Por eso, escribimos un cuento inspirado en las canciones, que trata sobre un niño que muere y viaja al mundo de las puertas. A partir de todo este concepto se nos ocurrió nombrar al disco Mama soy demente y posteriormente llamar así a la banda”

Luego de grabar su primer disco en el 2005, decidieron viajar a México, país con la industria musical más grande de toda Latinoamérica. Estando ahí, lograron varias cosas: grabar videos de los temas Contra la pared y Carrusel, editar el DVD “Cabaret Demente” el cual contiene filmaciones de un concierto/obra de teatro realizado en Monterrey, como también participar del soundtrack de una película mexicana. “Nos fuimos a México durante un periodo de tres años. Estuvimos tocando en Monterrey, lugar donde vivimos e hicimos un público. Tocábamos todas las semanas. En el transcurso del tiempo nos contactamos con una especie de promotora de la cual uno de los dueños era Joselo de Café tacvba. Esta promotora nos consiguió salir en una película que se llama El quinto mandamiento, todavía no se estrena pero ya está el tráiler en nuestra página web” cuenta ‘Jolgorio Vocal’. Pero no todo fue positivo. Al ser una banda independiente extranjera, tuvieron que hacerse espacio entre la predominante fuerza del mainstream “Lo que pasa es que nosotros partimos con una idea poco clara de lo que iba a pasar. Fuimos a ciertas radios que supuestamente apoyaban la cosa independiente, pero una vez que tú estabas ahí te dabas cuenta que eso no es verdad, ya que siempre tiene más prioridad la gente de las disqueras, eso es obvio, pasa también en Ecuador. El choque fue que nosotros fuimos, y allá no pasa lo que pasa en Ecuador, que viene cualquier artista de otro país y lo ponen en la radio desplazando al ecuatoriano al último lugar por el extranjero. Allá fue lo contrario, hay mucho apoyo al talento mexicano, eso es innegable, sea de las disqueras o no, pasan música mexicana” comenta ‘Jolgorio Vocal’. “También estando en México, conocimos todos los chismes del medio. Nos llegamos a enterar que la mayoría, el 100% de las bandas que estuvieron con casas disqueras, en este momento están en aprietos, o artísticos o económicos, debido a que la casa disquera tienen unos tratos extraños. Te tratan como a un miserable. Nosotros fuimos con el sueño de la casa disquera y todo eso, pero nos topamos con la realidad y vimos que no era conveniente meterse en ese medio mainstream porque o te corrompes o simplemente dejas de hacer lo que estas proponiendo” señala ‘Nadie’.

El tema de las descargas gratuitas y la debacle actual de las disqueras, es algo que está afectando a todos, incluso a las bandas independientes “Mira es una debacle, que se basa principalmente en que las disqueras no se han preocupado por hacer música que gane adeptos fieles. Por ejemplo, ¿Cuáles son los discos más vendidos de la historia? Los Beatles, Nirvana, Beach boys… o sea los mejores discos de la historia. Y son discos que no son comerciales. Entonces la debacle de estas disqueras pasa básicamente, porque hacen productos que son ‘one hit wonder’, o sea que tú compras un disco y de todas las canciones solo despega una. En ese caso más fácil te resultaba comprarte el disco pirata. Creo que es el motivo para que se dé la debacle, las disqueras han procurado hacer artistas clichés, de momento, muy de moda, que no tiene ningún sustento artístico ni nada. Pink Floyd, nunca se va a parar de vender, ¿si me entiendes?” Al relacionar esta realidad con la escena guayaquileña ‘Jolgorio Vocal’ señala “Por una parte es bueno que no haya disqueras, ya que ha permitido que la gente sea un poco más libre en su forma de expresarse, que no siga una tendencia predeterminada. Pero en la realidad no sale negocio tocar en vivo, porque no tienes promoción, por eso es necesario que se recuperen las radios ecuatorianas, porque lastimosamente las radios ecuatorianas no son de los ecuatorianos”
Sobre la posibilidad de permitir que se descarguen su música gratuitamente comentan “Claro, de eso se trata toda esta revolución de música independiente. Antes, estábamos atados a medios como radios, televisión, tienda de disco. Ahora, lo único que nosotros tenemos y lo único que va a salvar la música es el internet y la difusión libre de todo. Con que se bajen algo en Francia y que nos llamen para tocar, yo estaría súper feliz de ir a tocar, no me importa que no me paguen” dice Nadie.

Actualmente Mama soy Demente se encuentra preparando su segundo disco “Tenemos el plazo para sacarlo máximo entre mayo o junio de 2009. Ya tiene que estar listo porque tenemos un par de tocadas en unos festivales en México. Queremos llevar el segundo material, porque al primer disco ya le dimos palo y a la gente le gusto bastante los temas nuevos”. Sobre los cambios musicales que tendrá su nueva producción señalan “Más que nada fue la experiencia de irnos a vivir a otro país solos, todo eso nos hizo otro tipo de personas. En este nuevo disco cambiamos bastante. El primer disco fue hecho para nosotros, en un estilo de composición bastante personal; este segundo disco,  es más fuerte, como que ya lo hicimos tocando en conciertos, es más para en vivo”.

En la parte final del cuento, una voz señala que: “detrás de la puerta encontraran la libertad, algo que ustedes los humanos, confundirían con demencia” ¿Esa afirmación es parte de lo que quieren transmitir con su música?

Así es, la vida es una locura completa, sino que nosotros nos abrimos y decimos que somos dementes. La gente por lo general dice que es cuerda, pero en su vida real saben que no es así, en su muy obscuro interior saben que no es así. Por ahí Jodorowsky que es un artista que nos gusta mucho decía: “Yo soy un demente, pero no un loco”

www.myspace.com/mamasoydemente

Por: Darío Granja

Entradas siguientes »