PLAYLIST: FestivalFFF 2010 / Parte 1

Descubre los sonidos de cinco propuestas que serán parte de la séptima edición del Motor de la música de vanguardia ecuatoriana, Festival FFF 2010, a realizarse el lunes 15 de Febrero, a partir de las 10h00 en el Parque Luis A. Martinez, Sector Ficoa, El Sueño – Ambato.

Trovador Depresivo y Los Esqueletos Flotantes: Banda que nace en Quito, Ecuador. Desde el 2007 se encuentra radicada en New York. Está formada por los ex integrantes de la emblemática banda de los noventa Dentro de Helena. Su estilo se define como Hard Rock.  Han tenido presentaciones en algunos de los más importantes escenarios de la escena Indie Rock en Nueva York. Actualmente se encuentran en la producción de su tercer disco Demond Vol. 3.

Camaleón Jazz Combo y Guanaco: Guanaco inicia su carrera en 1997 de la mano de la banda de hip-core, Mortero. En el 2002 debuta como solista con beats, samples y musicalización del productor Juan Carlos Almeida (Tato – Fusión Mutágeno). Este material luego de varios años da forma a su primer LP “Lecciones De Saña y Maña” (2005) producido por Julio Valle (Mortero).
En 2007 forma el colectivo Pesos Pesados Sound System y edita el álbum “1er Round”. De este disco se extrae Lento, tema que tuvo una gran repercusión en la música ecuatoriana. Su video alcanzó una alta rotación en la cadena MTV, hasta posicionarse dentro de los 10 más pedidos.
Actualmente Guanaco une fuerzas con la prestigiosa banda de jazz, Camaleón, formada por reconocidos músicos de Ecuador, Rusia y USA.

Mortero: Nace en el año 1997. Desde entonces nada los detiene. Sus composiciones son producto de la influencia del hardcore neoyorkino, funk y el hip hop en español de los 90’s.
Poseen hasta el momento tres producciones. Su último trabajo “Veneno Negro” (2009) abarca nuevos matices, disonancias y saturaciones electrónicas. Incluye colaboraciones como Dj Memo (Fusión Mutágeno), y Francisco Castellanos (CafeteraSub)

La Providencia (Colombia): Banda de la ciudad de Medellín, nace en el año 2001. Su música presenta una fusión entre los sonidos originarios de Jamaica (Reggae, Dub, Ska, Rocksteady, Socca, Dancehall, etc.) y música urbana. Actualmente se encuentran presentando su primer disco “Radio Candela”.  Han compartido escenario con importantes bandas como Gondwana, Los Pericos, Bersuit, Jaguares, The Wailers y Calle 13. Han sido nominados a los premios de la Música revista SHOCK 2005 como mejor banda Ska-Reggae y en el 2008 como banda pura sabrosura.

Mesias Maighashca: Nació el 24 de diciembre de 1938 en Quito, Ecuador. Estudió en el Conservatorio de Quito, la Eastman School of Music (Rochester, N.Y.), el Instituto di Tella de Buenos Aires y en la Musikhochschule Köln. Sus conciertos se han realizado en los principales festivales europeos. Desde 1990  fue profesor de música electrónica en la Musikhochschule Freiburg hasta su jubilación en 2004. En 1988 fundó con Roland Breitenfeld el  K.O.Studio Freiburg, una iniciativa privada para el cultivo de música experimental. Desde el 2008 es miembro del Directorio Artístico de GEMART (Grupo de Música Experimental y Artes Mediáticas) y del Ensamble GEMART.  Vive desde 1996 en Freiburg – Alemania.
En el FestivalFFF presentará una serie de obras (Instalaciones, taller, objetos sonoros y proyección video, estreno), entre ellas un estreno mundial.

Guanaco / Llego el Cantante (ft. Zaturno)

Guanaco / Llego el Cantante (ft. Zaturno)

CURSOR Segunda Temporada – Programa 4

CURSOR SEGUNDA TEMPORADA / Cuarto Programa de la Segunda Temporada

Cursor Podcast. Selector de sonidos en movimiento.

En este episodio va a sonar:

The XX

Catupecu Machu

Poncho

Guanaco

Them Crooked Vultures

Hot Chip

Anita Tijoux

Vedette

Los Odio!

Guerrilla Clika

ESCUCHALO…

Escucha el nuevo tema de Guanaco junto a Zaturno

Guanaco, vocalista de Sudakaya y reconocido MC. de la escena musical ecuatoriana, presenta un nuevo tema llamado “Llego el Cantante”. Esta canción incluye la colaboración del influyente rapero chileno, ex integrante de Tiro de Gracia,  Zaturno.

Escucha a continuación “Llego el Cantante”:

SUDAKAYA: Espejo de la realidad que apreciamos.

Empezaron como un proyecto alterno, para relajarse y hacer música sin estrés. Con el tiempo este proyecto se convirtió en el eje de su creación musical y lograron desde el 2002 hasta la actualidad, perfilarse como una de las bandas de mayor representación en la escena ecuatoriana. La agrupación en la actualidad se encuentra conformada por: Guanaco (voz, MC), Juan Manuel Sevilla (Guitarra, Coros), Xavier Escobar (percusión), Darwin Tipán (Saxofón), Franklin Tipán (Trombón), Hugo Caicedo (Guitarra, voz), Francisco Castellanos (bajo), Arturo Nicolalde (batería) y Xavier Muller (teclados, guitarra, coros).

Guanaco y Hugo compartieron con Plan Arteria sus inicios como Sudakaya, sus metas y anécdotas en la escena musical ecuatoriana.

Plan Arteria: ¿Cómo fueron los inicios?

Hugo: La idea original de Sudakaya surgió una tarde que nos reunimos con el Guanaco…

Guanaco: Había algunas bandas de las que éramos parte [los actuales integrantes de Sudakaya]. Nos reunimos todos los amigos a los que nos gustaba el reggae. Quisimos hacer un proyecto con gente de [las] bandas Cochambria e Infelices.

H: Todos teníamos proyectos aledaños: Guanaco tocaba en Mortero, yo tocaba en Infelices…

G: la idea era hacer una banda para desestresarnos de las otras agrupaciones que eran las principales; pero al final, terminó siendo más serio que las otras agrupaciones y algunos [integrantes] terminamos con las otras bandas para continuar con Sudakaya. Esto fue tipo 2002. Para finales del 2003, teníamos el primer disco ‘Todo va bien’. Éste nos catapultó para tocar en festivales: nos llevo al Quitofest; a una gira por Colombia, Argentina y Chile. Fue un buen primer disco.

PA: ¿Qué elementos creen que tuvo el primer Cd para generar la aceptación del público?

H: Una nota sincera para la época, música hecha de corazón, todo el feeling ahí puesto.

G: También es un disco súper inmediato. El disco [‘Todo va bien’] nació casi de improvisaciones. Muchas de las canciones no tenían final y dos semanas antes de grabar las estructuramos, la mayoría de canciones en realidad eran como “jams”. Siempre tocamos de forma súper libre, creo que eso lo hacía natural y que conecte con la gente. El primer disco fue inmediato, en cambio el segundo disco [‘Terminal’] es más elaborado.

PA: El segundo Cd tiene una lírica más fuerte, en el caso de “La ciudad tiembla”, por ejemplo, es una canción que te deja pensando por su contenido. ¿Qué los llevó a ese cambio?

H: Creo que en las líricas de este disco [‘Terminal’], nos enfocamos mas en una realidad social. Problemas del día a día, problemas percibidos por nuestros ojos y nuestra forma de ver.

G: También creo que cada disco representa momentos. El ‘Todo va bien’ era un proyecto de reggae, full alegría; el segundo fue, “O asumimos una posición del grupo alegrón de reggae que sólo habla de  cosas alegres, o superamos eso”.

H: Esta es una música mucho más madura, no queríamos quedarnos encasillados, no queríamos vernos como la típica banda reggae, rastafari, ganja ¿cachas? La cosa es romper esos estándares y esquemas y  hacer una música mucho más libre. Haciendo reggae y experimentando con otros sonidos.

G: el reggae viene de un país, tratar de hacer reggae con fórmula ecuatoriana  y nuestra fue más difícil. Este disco [‘Terminal’] es mucho más melancólico, temperamental. También la situación de la banda fue dura, después que  tuvo un boom (refiriéndose a la enorme aceptación de “todo va bien”). Siempre superar un boom es difícil, o superas eso o te mueres.

H: el boom fue súper rápido y violento: salió el disco, gira, tocadas… Ahora, nos sentamos a analizar las cosas.  Estamos planeando cosas más densas, viajes a otros lugares.

Guanaco: Perdimos 100 adolescentes, pero ganamos en otros aspectos: la gente nos toma más en serio. Ven el arte y escuchan el nuevo Cd y se dan cuenta que es música en serio. En esta instancia, es lo que más me llega a mí.

PA: Dentro del grupo, ¿cómo se dio el cambio del ‘Todo va a bien’ a ‘Terminal’?

G: El cambio casi nos mata. No es sencillo hacer música entre nueve. Hay bandas en las que dos son los líderes y dan las partituras a los otros ocho, ¿pero tener nueve cabezas? El uno dice no, el otro dice sí. Este disco es así de pesado, porque nació del conflicto y creo que del conflicto nacen buenas obras.

PA: Las personalidades de los 9, ¿cómo logran complementarse en función de la banda?

H: Hay ciertos puntos que nos unen.

G: Es como una familia.

H: se maneja democráticamente; por ejemplo: en [las] fechas de los conciertos, todos tenemos que estar de acuerdo, como todos tienen proyectos aledaños, tenemos que ponernos de acuerdo para que no se crucen horarios.

PA: ¿Y los proyectos aledaños, han sido un impedimento?

G: A veces sí, es complicado tener una banda de tantas personas. Pero es una familia, hay que tolerar. Todos tenemos defectos y virtudes, y ya te conoces tanto que sabes cuáles son sus defectos y virtudes.

H: A o B, siempre sacamos adelante a la huevada…como sea

H y G: a la guerrera

PA: ¿Y el mayor obstáculo?

G: El hacer cosas con dignidad. Podríamos estar en la tele si quisiéramos. No es difícil, vas, tocas puertas, haces un chiste, playback… Podríamos hacerlo; pero hemos tomado la decisión de no hacerlo, no nos vemos ahí. Nos gustaría poder difundir nuestra música de una manera digna, que la gente vea y sepa, pero no hay programa en el que te den una puerta digna, todos hacen playback.

H: Salvo dos programas que tienen bandas en vivo, esto del playback ha sido un conflicto nuestro, el decir: ya vale, para que nos conozcan 300 personas más lánzate a la tele, o nos mantenemos sin hacer playback.

G: además hay otras cosas: los comunicadores no tienen un criterio sobre música. No investigan. No es como que: bueno viene tal artista, escuchemos sus últimos 10 discos. Los manes lo primero [que te preguntan] es: si tienes pelada; te comienzan a joder en vez de averiguar sobre tu música. Lo más fácil es hacer reír con la mofa, entonces la batraciada es la que reina…

H la batraciada es lo que causa mayor audiencia, es así.

PA: A nivel sociedad ecuatoriana, ¿ustedes ven qué el público que escucha  Sudakaya es menos conservador, un grupo más abierto?

G: Nuestra música en cualquier parte del mundo, menos en el Ecuador, sería [para] todo público. Bueno… de hecho lo es, cuando tocamos en plazas ves a las mamás bailando con los hijos todo frescazo. Tratamos de estar lo más unidos a las cosas populares, no queremos crear una élite o música difícil de comprender, a veces la sociedad ecuatoriana está muy cuadrada, ven como la gente va a tal concierto, [como] se viste y dicen: no, no me meto ahí.

H: las líricas y todo es una nota que pretende liberar el modelo mental establecido, el último Cd es mucho más oscuro, mas citadino, hablamos de temas que vemos, hablamos de desamor, alienamiento social. No es solo ir a cantar. Somos un espejo de la realidad que apreciamos.

PA: ¿Influencias de la banda?

H: Son varias, cada uno es un estilo diferente.

G: Casi no escuchamos lo mismo, algunas cosas en común, pero los gustos musicales varían: suponte los vientos tienen formación de música clásica. Vos les quitas el Ipod y están oyendo Tchaikovski y así…

H el “pipo” (Francisco Castellanos, bajista) te oye más death metal, grind y esas notas, el Guanaco es hip hop, soul: comparto más contigo (dirigiéndose a Guanaco). Yo oigo reggae, dub, drum n’ bass…

G: el punk es fuerte en la banda, dance hall… Más por géneros…

PA: ¿E influencias fuera de la banda? ¿Algo que los inspire, que no sea música?

G: Me inspiran cosas de literatura, más lo que me influencia es vivir como músico en este medio, despertarme, subirme al trole bus, viendo como se ven las cosas en la ciudad, y tomarle una foto en una letra…

PA: ¿Qué los llevó al nombre Sudakaya?

G: En España, como se refieren a los sudamericanos como sudacas, lo tomamos con orgullo de sentirnos de Sudamérica en lugar de tomarlo cómo despectivo  y combinado con Kaya…

H: la ganjita de dios (risas)

G: Que es la ganja y que también es un disco de Bob Marley, es una mezcla de los dos…

PA: ¿Con la lírica social, han tomado algún rol en ayuda social en el medio?

G: En realidad muchas veces, la banda tiene como consigna hacer 2 o tres eventos sociales al año.

H: Conciertos con Amnistía Internacional, una escuela en Ambato, fundación ayuda para gente con diabetes…

G: Naciones Unidas también, con Wildlife de los tiburones…

PA: ¿Qué los lleva a ayudar, responsabilidad?

G: Cuando empiezas hacer música, tocas en lugares y eres dueño de las palabras que dices; es una responsabilidad grande. A veces haces algo que piensas que llega a 10 personas y ves a un niño cantando una letra y dices “¡oh dios!”

H: llegas a tener miles de receptores, la música en la actualidad juega un papel importante, y refleja la sociedad actual, como la música actual que habla sobre el bling-bling, la nena, el carro y en eso se basa la gente (refiriéndose al estilo de vida dictado al seguir un estilo musical), si uno manda un mensaje más profundo, tienes la responsabilidad de lo que viene con ello.

G: También creo que viene la responsabilidad de vivir lo que dices.

H: obvio.

G: Si hablamos de A o B que nos afecta, también tratar de que eso pare en el mundo, o poder decir: oigan, abran los ojos a que no haya migración ilegal. Por ejemplo algunos amigos míos que eran músicos, que tocaban conmigo, han cruzado la frontera. Creo que con un mensaje a un chamo decirle “oye puede pasar esto”.

PA: ¿Y de los fans?

G: por ejemplo en Colombia una fan, una amiga nos hizo una tarjeta en la cual se debe haber tardado un día entero haciéndola. O en un concierto la gente se queda afuera para hablar… en realidad a mí no me gusta mucho esa pose de fanático, artista y de dar autógrafos  y esas cosas, pero, por ejemplo, una señora se me acerca y me dice: oiga guanaco, se le ve hermoso con su hijo paseándose por la calle. Eso ya no es algo de fan a artista, sino de madre a padre. Como vos te muestras en escena súper entregado y es como eres. La gente puede ver eso, te toma confianza y de una te habla. Es chévere, porque, para mí es complicado conocer gente y abrirse de una, pero acabas el concierto y la gente te pone a hablar de “oye mándale un saludo a mi primo en España” y vos te regalas a ellos porque es otro tipo de comunicación. La música hace que te comuniques de alma a alma, dejando a un lado las poses.

PA: ¿Cómo se  sintieron en el Quitofest 2008, al ver que la gente al término del festival, pedía Sudakaya (Debido al mal tiempo, bandas nacionales programadas para tocar en el Quitofest 2008 no  pudieron hacerlo) a gritos?

G: Fue a lo bestia, es como cuando te ríes es bacán y cuando lloras también es bacán…

H: Ese rato, yo no calé la verdad, porque estaba tratando de tocar en el escenario alternativo atrás, toqué un rato, justo cuando tocó Plastilina Mosh, y si pasó, cuando me contaron, es una sensación que no  sabes si llorar o reírte ¿cachas? Felicidad porque la gente nos pedía, y una tristeza infinita por no poder tocar, todo el día pasé como que ¡no! Y me levantaba y veía el público y decía…mierda…

G: a mí sí me picó un poco, cuando vi los equipos…

PA: La formación Musical formal de algunos de sus miembros, ¿ha sido una ayuda? Saben del debate que existe en la música: tocas, compones por lo que sientes, no tienes que regirte a una educación…

G: La mayoría no y eso es a veces es un problema… (Refiriéndose al tener una educación musical)

H: cuatro de nueve tenemos formación musical (Hugo cursa sus estudios musicales en música contemporánea en el IMC de la USFQ) así  que la formación académica, si ayuda full, es diferente cuando uno toca por tocar. Yo 12 años de mi vida llevo tocando, rockeando con bandas. Tienes a alguien (en la Universidad) con un criterio formado a través de la experiencia, que te enseña y no solamente eres alguien que sale del cole y dice:”voy a hacer música y estudiar”. Cuando llegas a la U, y no has tenido una experiencia musical previa, tu concepto de música es lo que te dictan en las aulas y eso es música para ti, eso también es un problema. La música va mas allá de eso, de tocar 10,000 acordes en un segundo, puedes tocar un acorde por 10 minutos, y “groovearlo” y realmente sentirlo. Yo tomo a la universidad musicalmente como una herramienta, sirve full.

G: También es como que hay músicos y músicos. Puede haber un man que viene de una familia que todos son músicos, y no ha estudiado música y es un músico, o puede haber un artista que estudió full música y no canta. Hay full músicos que han hecho historia y no han estudiado, pero claro, si tienes la posibilidad de estudiar, pesa.

H: Puede haber miles de músicos y muy pocos artistas. Puedes tener una fábrica de guitarristas, puede haber un artista que de verdad cree  en lo que hace.

PA: ¿Es decir, ves una convicción en el hacer música, y la educación un complemento?

H: exacto. Tú tienes tu criterio y utilizas tu educación como herramienta.

PA: ¿Planes a futuro?

G: La cosa es hacer una gira, ya que se lanzó el disco, para darle potencia a eso. También lanzar en diferentes ciudades el disco, hacer nuevos viajes…

H: no vamos a decir nada hasta que nos salga, siempre nos ha pasado, nos estamos yendo a tal lugar, luego no nos ponen en la cartelera (risas)

PA: ¿Ven que Sudakaya ha abierto puertas a artistas?

G: Nosotros abrimos camino, creo que sí. De lo que solo era el pop y underground, a hacer la música algo más popular.

PA: ¿Algo que hubieran querido cambiar?

H: el mundo entero (risas).

G: Yo creo que si pudiera cambiar algo, sería la situación en la que los artistas ecuatorianos viven. Puta, hay manes que pintan de lujo y viven en una casa con goteras. La situación es bien precaria, recién hay un Ministerio de cultura. Ya poco a poco hay los espacios, pero no solo debería darse espacio a la cultura pop, hay dos caminos. En estas épocas de globalización, hablas con gente de otros lados, de Francia por ejemplo, de nuestra edad, que tiene mucha más apertura a otras cosas, no solo piensan en el jugar billar e ir a chupar. Yo creo que está empezando a cambiar eso. Poder vivir decentemente del arte.

H: Cuestión de meter ñeque

PA: Definir Sudakaya  en una palabra.

G: pucha… (Risas)

H: Nunca  he pensado eso…

Un mensaje…

H: amor universal… (Risas)

PA: ¿En el espacio que respecta a música, que mensaje darían a los artistas que están empezando?

H: Que se rajen por conseguir lo que quieren, porque en este país no es fácil. Peor ser músico, no es fácil tener un trabajo, en ningún lado mismo mantenerte en algo. Lo que tienes que hacer es rajarte el lomo, trabajando para alcanzar los sueños, despertarte cada día, luchando.

G: tener respeto y amor propio a lo que uno hace. Es lo fundamental.

Por: Carolina Loza

SAN PEDRO MUSIC CAMP: El rock alternativo según San Pedro

La música independiente ecuatoriano ya no posee fronteras internas, a lo menos, eso se sintió el domingo 15 de Julio, en el SAN PEDRO MUSIC CAMP; evento que se une al circuito de nuevos festivales que nacen por motivos de celebraciones locales.

Es medio día, las principales calles de la ciudad de Pelileo se ven abarrotadas por el tradicional desfile que incluye carros alegóricos, curiosos y comerciantes. Pronto empezara también la competencia de coches de madera. Falta pocos minutos para que inicie el festival San Pedro Music Camp. Tomando calles paralelas, esquivando a toda la multitud, encuentro por fin el complejo turístico citado, que en realidad, se asemeja más a un parque ubicado al fondo de lo que parece un pequeño valle. Todavía ninguna banda se presenta, están en prueba de sonido.

Desde lejos no parece tratarse de un concierto de rock, más bien tiene un ambiente diverso, familiar, donde personas de todas las edades, vendedores de globos multicolores, heladeros e incluso caballos rodean el sitio.

Ya son las 2 de la tarde, la primera agrupación que sale a tarima son Varcage, la banda local. Con un sonido muy apegado al rock and roll básico, tocan algunos temas inéditos, covers que animan, mas su propuesta aun carece de solidez.

La siguiente banda hace dos años fue el referente del punk-ska quiteño, siendo la voz de toda una inmensa cantidad  de jóvenes alternativos, diferentes. En ese tiempo Chulpi Tostado sorprendió, no estaba conformada por grandes músicos, sus letras no eran complejas; más bien resultaban simples y recurrentes en su género. Pero lograron llegar alto. Así, luego de ausentarse por un largo periodo de escenarios, la banda capitalina presento algunos temas de su nuevo material “No somos los mismos de ayer”, pronto el apoyo de su público no se haría esperar, pogearon y corearon sus antiguos temas, prendiendo el festival en Pelileo.

Desde Ambato, Fusión Mutágeno continuó. Con un público abierto, dispuesto a disfrutar, el trío hip-hop logro conectarse, presentando temas de su disco “volátil”. Remataron, invitando a  Guanaco Mc. en los temas “Más y más” y “Money”.

A días de presentar su segunda larga duración “Espíritu virus”, los brutales Cafetera Sub se apoderaron de las tablas. Cafetera nunca ha sido una banda fácil de recibirla, su sonido ha sido un experimento, siempre vanguardista, nada complaciente, pero enmarcados en lo que ellos quieren ser: una banda de metal old school. En vivo todo es agitación, desenfreno, gritos hirientes y sucios, posturas insólitas. Su repertorio incluyo temas de su antigua placa “Deidades Desenmascaradas”, nuevos temas, y también viejas rarezas poco difundidas, llegando directamente a su público, que reclamaba caos.

Luego de participar en un tema como invitados junto al anterior grupo, Mortero llegó. Renovados, con nuevos temas, nuevas noticias bajo el brazo y con todos los ánimos para presentar en los próximos meses su segundo disco. La banda icono de Ambato, presento un show enérgico, donde temas como “piloto automático” o “sabe clave llave” lograban despegar del suelo tanto a sus integrantes, como a los asistentes. Sus nuevos temas daban una muestra de su actual camino, trazado por riffs contundentes, pasajes melódicos y densos en las guitarras, junto a una voz que no le teme a los ratos de mesura como tampoco a los momentos de ferocidad vocal. La banda se halla con un sonido más avanzado, con una estructura más progresiva, en ratos cambiante, pero sin fallar ni confundir a todos sus seguidores.
A estas alturas, próximo a que termine la banda su presentación, me debo de retirar, agotado, Quito esta distante, mas de tres horas esperan de retorno. Papa chango era la última banda, su sonido reggae me lo tendré que reservar para otro momento, no por mucho, pronto editarán su disco “Caminante”. Buenas noticias esperan a la escena alternativa.

Por: Darío Granja

QUITOFEST 2006: La estocada del Quitofest

Yo no sé lo que les parezca a ustedes – aunque puedo imaginarlo-, pero para mí lo único que salva a las anodinas festividades de Quito, es el QuitoFest. Y como para no sonar especulativo digamos que, al menos para unas 40 mil personas (entre quiteños, residentes en Quito y afuereños que cada año llegan exclusivamente al festival; niños, adolescentes y adultos, mujeres y hombres de todo estrato socioeconómico) que no gustan de usar sombreros de Panamá -¿o de Montecristi?-, de paño o de cowboy y de tomar Moscatel en bota de cuero para sentirse por algunos días embebidos por el espíritu caricaturesco de su frustrada herencia ibérica, y eso mientras observan cómo un toro se vuelve burla de un torero con la arrogancia ceñida al alma como las panties rosadas a su pubis matador, el QuitoFest es, digamos, el único espacio masivo de construcción identitaria alejado de costumbrismos colonialistas; de producción, promoción y proyección cultural sin fines de lucro, y de pretensiones beneficiosas para un conglomerado humano que, a diferencia de las ferias del gran poder taurino apoyadas sin cabildeos por los estamentos de la gestión pública y la información, suele recibir de parte de las instituciones establecidas para la promoción cultural, poco más que lo mínimo y así, bajo el pretexto de la inclusión, complacer a esos otros que caminan por la vereda del frente. Como si se tratara de una dádiva.

Siempre, el movimiento de la música independiente del Ecuador ha sido la bestia tambaleante, proclive a fallecer por no ser indispensable para una estructura administrativa que prioriza en su agenda “cultural” los festejos de incoherencia tradicional, de vacuidad identificativa y de deleznable relevancia futura en términos de producción artística. Evidentemente el rock no genera los millones que sí las corridas. Lo que no entienden los encargados es que espacios como el del QuitoFest, aparte de permitir la manifestación musical diversa y tolerante, ergo, de verosímil acción integradora, es una plataforma que, de ser incentivada en la medida de su importancia colectiva, bien podría significar la pauta de un empoderamiento discursivo de quienes también tenemos algo que plantear desde la música y desde la palabra. Desde nuestra estética, por supuesto. Desde esa ética que a veces desestabiliza.
La música –y en general la creación artística independiente- ha rendido circunvalando la ausencia de políticas en materia cultural y por debajo del mainstream de la algarabía futbolística, y así, a pesar de los eternos ¡ole! oficiales, ha sabido mantener resonantes las distorsiones de sus esfuerzos entre la gente preocupada. Y en esto ya vamos años.

“…entre la obligación (del Estado) de generar espacios y velar por un desarrollo cultural en la diversidad, y cualquier forma de imposición del “valor oficial” de la cultura, hay una distancia enorme”. (CARÁMBULA, Gonzalo, La creación cultural desde el consumidor, FLACSO virtual, Argentina, 2006)

Como para formalizar esa presencia y agrupar las tendencias sobre una misma tarima, y así encarar las escenas internacionales con la fuerza de un solo movimiento, el QuitoFest se creó hace cuatro años de la convicción de cuatro practicantes de la gestión musical. Álvaro Ruiz y Edgar Castellanos, miembros de la banda rockera Mamá Vudú, y Rodrigo Padilla y Jalal Dubois, gestores culturales y personajes mediáticos, advirtieron la necesidad de montar un festival que permitiera a todas esas bandas locales mostrar su trabajo frente a la mayor cantidad de público que se reúne al año en un evento de esta naturaleza con acceso gratuito; y a los grupos extranjeros que comulgan con el proyecto más por la difusión que por los dividendos, acceder a un mercado y a un público con el que – en la mayoría de los casos- no habían tenido contacto directo.

Así, el cuarto festival consecutivo se desarrolló con el profesionalismo y la gestión operativa evolucionada, dando cuenta de un proceso maduro de estabilización, tanto en el sentido estricto de organización como de consolidación de un espacio de aglutinamiento social –preponderantemente juvenil- en el que organismos e instituciones oficiales encontraron importante y deseable la transmisión de mensajes de contenido social. De ese modo, la Secretaría Técnica del Frente Social (entidad gubernamental), la división de lucha contra el SIDA y la que vela por la igualdad de géneros de la Organización de las Naciones Unidas; el Ministerio del Trabajo, el Programa del Muchacho Trabajador, entre otras entidades, encontraron, al fin, una vía de comunicación alterna para los estudios anuales que, tras los respectivos discursos de presentación, suelen terminan archivados como teoría de consulta estadística en los anaqueles institucionales.

Mensajes por la prevención del HIV, por el derecho a puestos de trabajo de los jóvenes en edad legal para trabajar, y por la erradicación de las peores formas de trabajo infantil, entre otras, fueron las consignas que desde los stands de información o desde la tarima a través de las palabras de los músicos, se dispersaron entre el público para demostrar que, incluso por la oficialidad, un espacio como el QuitoFest puede ser aprovechado cuando se tiene un ápice de creatividad para manejar la comunicación, y otro poco de iniciativa para desechar los prejuicios.

La primera jornada, como ya es costumbre, se dedicó al rubro de los pesos pesados. Los más de 30 mil vatios de salida y la tarima de 20 x 15 metros fueron inaugurados por el power core de Madbrain, y la gente ya demostró que la tarde iba a ponerse dura. Curare, una de las bandas más intensas que a mi gusto ha sacado la cabeza en este año, volvió a armar un show tan emotivo como el de la Fiesta de la Música. Con su montaje, los sanjuanes y los albazos en la amalgama con el hardcore adoptan una dimensión verosímil, tan sentida como en sus formas tradicionales, pero de potencia ulterior.

Descomunal se mantiene como una de las más populares y respetadas por la sencilla razón de que su puesta en escena es, ante todo, carente de artificios. Su postura recia es la proyección de su conciencia. Al menos, eso dejan ver.

Likaón es de la camada de los veteranos del metal, por lo menos de los que se han mantenido. 11 años en escena hablan, en lo mínimo, de la constancia aplicada a fondo. La del metal es aún más, una subtribu en eso del underground: la autogestión su emblema, el margen su hogar.

Los californianos Death by Stereo se metieron con el público directamente: el cantante se lanzó al pogo popular y con eso la gente ya los incluyó en los highlights de la tarde.

Total Death es otra esfinge de la vieja guardia, llevan 15 años despostillando platillos y pocos lo sabían. Es otra de las cosas que logra el festival: develar públicamente vidas musicales.

En el backstage la cosa se calentaba en repunte a la lluvia que cumplió su amenaza. Unos colombianos buscaban trago antes de subirse al ring, pero casualmente nada líquido circulaba alrededor. Se subieron igual, y el personal del metal que los conoce desde hace años, estalló con las camisetas negras empapadas de furia. El cantante de Masacre habla, lo hace como cualquiera, con la voz de la naturaleza, proclama unidad entre los pueblos de América, pero cuando canta su voz se vuelve la de un dragón. Y cuál es la novedad. Ninguna. Solo que no deja de causarme extrañeza la bipolaridad vocal y de posturas. La vena integracionista del latino en la guturalidad ardiente del diafragma, y luego, tras bastidores, la confesión de que el presidente Uribe le parece “dentro de lo peor, lo mejor”. Yo no sé.
Por atrás la niebla se espesa. En la antesala de los camerinos la gente se guarece de la llovizna y en uno de ellos, completamente solo, con las manos en los bolsillos y cubierto el rostro por una capucha, está el gordo de los alaridos más salvajes del hardcore punk. Frente a frente es como un oso de peluche afable y customizado, con los piercings y los tatuajes a la altura de su potencia escénica. Sobre las tablas él y su banda son un torbellino devastador que no devastó lo suficiente. Los Ratos de Porao se bajaron antes de hora. Un solo imbécil hubo entre el público que alteró en mal plan el rock and roll. Y nadie hubo para impedirlo.

Día 2: Fusión mutágeno puso las manos en el aire junto a un colectivo que sacó el hip hop de las secuencias y le puso guitarra funkera, percusiones prudentes y scratches cortantes. Guanaco saltó al micro y los franceses de La Caution que ya habían arribado le pusieron ojo a ese flow particular. Luego, cuando en la noche final, por alguna razón extraña los franceses terminaron en mi casa con una botella de Appleton sobre la mesa, me comentaron que les gustó el hip hop ambateño y en particular el rapeo del cantante de Sudakaya, pero que les llamó la atención el nivel bajo del volumen al que sonaban sus pistas. Y es que claro, cuando ellos subieron al escenario, sus secuencias se treparon casi al doble de potencia. Los bajos dejaban una huella dilatada en el interior del pecho, y sus rimas aceleradas, a pesar de la metralla lingüística ajena, buena espina soltaron: “it ´s all about the vibe”, dijo el rapero NikkFurie.

Alicia se tiró por el parabrisas y por el lado de la fórmula juvenil del rock. De estar en México ya engrosarían la camada de Panda y de División Minúscula en eso del postgrunge para adolescentes melancólicos.

Alma Rasta, la buena sorpresa del festival. Su onda volatilizó la tarde, el público se enganchó, pidió más y lo obtuvo, pero eso retrasó la programación. Buen feeling de reggae crudo mientras el personal de escenario empezaba a preocuparse por el cronograma atrasado. Y yo sigo preguntándome: ¿de dónde salieron todos esos rastas que pregonan el Jah vibrazion a 2800 metros sobre el nivel del mar?

La electrónica se hace en vivo, con los aparatos precisos y sin las poses de los divos de las mezclas. F415 sabe de manipulación tecnológica.

Se viene la lluvia. Por ahí calienta un fruncido de trenzas azules que parece dispuesto a incendiar el escenario. Pero yo ya lo conocía. En Rock al Parque, el festival de los festivales en América Latina, el organizado por la Alcaldía Mayor de Bogotá y el Instituto Distrital de Cultura y Turismo; el que es promocionado por el Gobierno como destino turístico y el que, para dar un dato, tiene la dirección www.rockalparque.gov.co, ahí mismo, yo ya lo había visto, con igual intención de comerse al público, pero allá, como aquí, sin poder lograrlo. Su experimentación es interesante y los resultados, placenteros, pero no para un festival masivo. Objeción, señores del QuitoFest, había otras opciones.

Rocola Bacalao se trepó con el aguacero caído y con la advertencia de recortar su show. La noche se venía y aún faltaban dos duros. La noche se vino sobre la tarima. Flojo monitoreo y un amplificador de guitarra que se quemó, pero una vez más, el público, tan generoso y tan permisivo.

Volvieron los jefes. La banda de culto en vida está como recargada de coraje. Con respeto máximo a Paúl Segovia, Lucho Pelucho es un maldito de las cuerdas. Franco ha sabido cantar. Igor es el plazuela rabioso de siempre. Sal y Mileto es el papá.

Quien pensó que sin Fidel Nadal Todos Tus Muertos fenecería, bastante que se equivocó. Ni falta que hace. El pequeño Pablito –actual y único cantante- se retuerce en adrenalina, juguetea con una capoeira punkera y se interioriza acurrucándose bajo la batería para desearle pronta muerte a Pinochet (tus plegarias fueron escuchadas, Pablito). Las luces no programadas se encienden y dejan ver en perspectiva a los valientes que soportaron la lluvia y el descontrol. Son los hijos del rock and roll que insisten con el mosh. Unas llamas de artificio brotan de unos generadores que anuncian PELIGRO mientras la batería acelera el traqueteo del punk. En lo que se extinguen las chispas, mi memoria recrea el estribillo de un nuevo merengue-hardcore de los Muertos: …que cada quien hable en su lengua / la que sea / que cada quien vaya a donde quiera / que cada quien cruce la frontera / la que sea… y la cuarta edición se cierra.

Por la madrugada, presa de la curiosidad y del whiskey, me lanzo:

- Pablito, ¿cuál es la relación de Todos Tus Muertos con Fidel Nadal?

- Ninguna, no tenemos nada que ver con él.

- En una biografía de Manu Chao que leí, él cuenta que rompió relaciones con Fidel Nadal porque éste de pronto asomó con ciertos “arranques fasistoides”…

- Es verdad, ese tipo es un facho.

Por: Santiago Rosero*

*Corresponsal en Ecuador de Rolling Stone

Elrestoesmio.blogspot.com